아놀드 쇤베르크의 그림. 아놀드 쇤베르크. 초기. 창의력의 음조 기간

New Vienna School의 창립자인 Arnold Schoenberg는 그의 작품에서 음악 표현주의의 미적 원칙을 가장 완전하고 일관되게 구현했습니다. 이것은 20세기 음악 언어의 특성, 이전 시대의 음악 언어와의 근본적인 차이점에 대한 아이디어와 불가분의 관계가 있는 작곡가 중 한 명입니다.

동시에 쇤베르크의 작품은 20세기 음악의 진화를 결정한 다른 작곡가들의 작품과 달리 아직 보편적인 인정을 받지 못했으며 여전히 논란의 여지가 있는 현상이다. 이에 대해 다양한 설명이 제시되었지만 한 가지는 확실합니다. 쇤베르크의 창조적 진화의 논리 자체가 900년대 후반 이후의 음악적 언어로 이어졌다는 것입니다. 무엇보다도 이 언어는 음악적 "정보"의 특별한 집중으로 구별되며, 관성 모멘트의 회피로 강조되며, 이는 청취자 인식 및 연주 구현 측면에서 의사소통 능력을 제한할 수밖에 없습니다. 일반적으로 심각한 어려움과 관련이 있습니다. 일반적으로 쇤베르크의 음악 언어의 진화를 통해 우리는 그의 작품에서 세 가지 기간, 즉 음조(1897년 이후), 무조성 기간(1909년 이후), 12음음(1923년 이후) 기간을 개략적으로 설명할 수 있습니다.

초기. 창의력의 음조 기간

쇤베르크는 1874년 9월 13일 비엔나의 가난한 상인 집안에서 태어나 8세에 아버지를 잃었습니다. 가족의 재정 상황이 어려워서 Arnold는 체계적인 일반 교육이나 음악 교육을 받을 수 없었습니다. 그는 젊은 음악가의 뛰어난 재능을 즉시 높이 평가한 유명한 지휘자이자 작곡가인 Alexander Tsemlinsky와의 단기 대위법 수업을 제외하고는 독학을 했습니다. 기본적으로 Schoenberg 자신은 음악 예술의 기초를 익히는 동시에 창의적 재능을 가진 사람에게 관심이없는 일 (은행 서비스 등)에서 생계를 유지해야했습니다.

작곡가로서 쇤베르크의 이름이 널리 주목받은 첫 번째 작품은 현악 6중주였다. 깨달은 밤", op. 4 (1899) *,

독일 시인 Richard Demel *의 같은 이름의 시가 포함된 프로그램입니다.

육중주는 Wagner와 Liszt, Mahler 및 Richard Strauss, Tchaikovsky의 영향을 쉽게 드러냅니다. 나중에 Schoenberg 자신의 창의적인 얼굴을 결정하게 될 스타일 요소는 여전히 완전히 보이지 않습니다. 그러나 절충주의와 독립성 부족에 대한 비난을 성급하게해서는 안됩니다. 사실, 우리는 독특한 현상에 직면해 있습니다. 6중주의 음악적 언어에서 19세기 후반의 위대한 낭만주의 스타일의 유기적 통합이 놀랍게도 달성되었습니다. 작품은 전혀 다양화로 바뀌지 않습니다. 다양한 작곡가 스타일. 더욱이 "계몽의 밤"에서는 쇤베르크가 이미 완전히 무장한 모습으로 등장합니다. 이 작품은 완벽한 형식, 낭만적인 영성, 심리적 깊이와 결합되어 특별한 상상력의 관대함을 보여줍니다. 끝없는 멜로디 전개 속에서 일련의 서정적이고 선언적인 주제가 다른 것보다 더 잘 전달됩니다. 쇤베르크의 재능의 중요성에 의문을 제기하고 20년대에 그의 교향곡 작품을 홍보하는 데 많은 열의를 보이지 않았던 독일의 위대한 지휘자 빌헬름 푸르트벵글러(저자의 불만에)는 "깨달은 밤"만이 천재성을 부정하지 않았다는 점에서 의미가 있습니다. . 오늘날까지도 이 작품은 쇤베르크의 가장 자주 연주되는 작품 중 하나로 남아 있습니다.

"깨달은 밤"은 19세기(1899년!) 독일 음악의 놀라운 "마지막 화음"을 울렸습니다. Op. 직후 Schoenberg의 작품에서. 4, 표현주의적 특징이 뚜렷하게 보이고 음악 언어의 긴장감이 급격히 증가하여 1차 세계 대전 이전 몇 년간의 폭풍 전 분위기를 반영합니다.

이미 Maeterlinck 이후의 교향시 "Pelléas et Mélisande"(op. 5, 1903), 현악 4중주 1번(op. 7, 1905), 15개 악기를 위한 실내 교향곡 1번(op. 1905)의 음악 구조에 이미 포함되어 있습니다. 1906년 9월 9일) *

특히 제2현악4중주 fis-moll (op. 10, 1908) *,

* 4중주 마지막 2악장에는 독주자로서 여성의 목소리가 들립니다(Stefan Gheorghe 작사).

관성과 평범함의 표현을 피하려는 꾸준한 욕구가 더 많이 볼 수 있으며, 이는 음악 시간의 상당한 압축과 극도의 표현 강도로 이어집니다. 음악 구조의 전통적인 안정화 요소는 점차 대체되고 있습니다. 즉, 운율적 맥동의 규칙성과 리듬 요소의 알려진 안정성, 음악 구조를 질감 있는 계획으로 명확하게 분배하고 질감과 음색 유형의 변화에서 측정된 주기성, 널리 퍼진 직각도 등이 점차 대체되고 있습니다. 구문 구조, 연속성, 하나 또는 다른 고전적 구성 패턴에 따른 음악 자료의 분포, 정확한 재현. 과거의 고전 중에서 수직과 수평으로 주제적 부조를 돋보이게 했던 개별화되지 않은 비유적 움직임(소위 일반적인 소리 형태)도 사라졌습니다. 그러나 더욱 중요한 것은 이 모든 작품에서 19세기 낭만주의 음악에서 시작된 고전 선조-음조 체계의 탈중앙화 과정이 급격히 가속화된다는 점이다. 멜로디 수평의 배치와 고조파 수직의 변화를 조절하는 모달 기능 성향의 눈에 띄는 약화는 피치 구조의 관성을 점점 더 방해합니다.

이 점을 시사하는 것은 제2현악4중주 제1악장의 제2주제와 그 처리이다. B-dur 키의 주요 기능 코드로 들리는 테마 멜로디는 고전적인 모달 사고의 논리와 완전히 일치하지 않는 불협화음을 담고 있습니다. 시간- 여기서 멜로디 억양은 이를 통해 작용하는 조화 및 모달 중력의 제어에서 해방됩니다. 결과적으로, 멜로디는 모드의 켤레 정도의 시퀀스에서 켤레 간격의 시퀀스로 변환됩니다. 그 패턴은 전체적으로 인식될 뿐만 아니라 광범위하게 인식되고 차별화됩니다. 청각 주의는 각 간격마다 고정됩니다.

두 번째 주제를 개발하는 동안 동일한 특징이 나타납니다. 돌아올 때 그 억양은 일반적으로 고전이나 낭만주의에서 관찰되는 것보다 훨씬 더 강렬하게 변합니다. 이는 모든 가장 작은 멜로디 셀, 모든 간격의 표현적 중요성을 강조합니다.

이전에는 말할 것도 없이 보였던 음악 구조의 여러 가지 특성(미터법 맥동의 명확성부터 모달 기능까지)을 피하려는 작곡가의 열망은 같은 생각을 가진 사람들 사이에서 의식적이었습니다. 이것은 새로운 음악적 미학과 관련이 있었습니다. “회피의 미학”(“Aesthetik des Vermeidens”). 이를 바탕으로 Schoenberg는 음악 구조의 많은 기능적 연결을 개별화하여 예측 가능한 순간의 개발을 박탈했습니다. 개별화된 연결은 가려져 있고 은밀하게 개발을 제어하며 명백한 중력을 생성하지 않기 때문입니다.

“회피의 미학”은 표현주의 예술의 일반적인 이데올로기적, 미학적 지침을 직접 따랐으며, 이는 현실을 변형시키는 지점까지 세계에 대한 주관적인 시각에 대한 예술가의 권리를 주장했습니다. 이 모든 것은 나중에 표현주의 음악의 엘리트주의적 고립으로 인해 광범위한 청중과의 단절로 이어졌습니다. 그리고 Schoenberg는 이것을 충분히 알고있었습니다. 그는 생애 말년에 편찬한 글집 『스타일과 이념』에서 자신의 미적 견해를 문학적 탁월함으로 표현하고 있으며, 『신음악, 시대에 뒤떨어진 음악, 스타일과 이념』이라는 글에서 그는 다음과 같이 단호히 옹호한다. 예술을 위한 예술”: “예술가는... “모든 사람을 위한 예술”이라는 슬로건에 적응하기 위해 자신을 모욕하지 않을 것입니다. 왜냐하면 그것이 예술이라면 모든 사람을 위한 것이 아니고, 모든 사람을 위한 것이기 때문입니다. , 그렇다면 그것은 예술이 아닙니다.” 사실, 쇤베르크 미학의 엘리트주의가 음악적 창의성의 사회적 역할을 부정한다는 의미는 전혀 아닙니다. 같은 컬렉션의 "음악의 심장과 뇌"라는 기사는 사람들에게 더 높은 삶의 형태로가는 길을 보여주는 "예언 적 메시지"로서의 음악에 대해 "인류에게 중요한 것을 말"하기 위해 고안된 창의성에 대한 열망을 말합니다.

어떤 식으로든 음악 형식의 원심력 경향이 우세하여 붕괴 위험이 생겼습니다. 느슨함을 피하기 위해 쇤베르크는 브람스와 베토벤의 최고의 작품에서 관찰된 것과 동일한 주제적 질감과 전개의 통일성을 추구했습니다. 주제 내용의 통일성은 음악 구조의 관성의 요소 중 하나이기 때문에 이것은 "회피의 미학"원칙에서 잘 알려진 이탈이었습니다. 그러나 그러한 수단으로는 음악 형식으로 인해 발생한 손실을 완전히 보상하는 것이 여전히 불가능했습니다.

일반적으로 조성시대의 마지막 작품인 실내교향곡 1번과 현악4중주 2번도 여전히 후기 낭만주의 양식을 따르고 있다. 그러나 그들의 음악적 언어는 <깨달은 밤>의 언어와 연계성을 유지하면서도 한층 더 높아진 심리적 깊이와 날카로움, 긴장감으로 구별되며, 작곡가의 개성이 훨씬 더 뚜렷하게 나타난다.

성조기의 작품 중 칸타타 “ 구레의 노래"(오푸스 없이) R. F. Arnold가 독일어로 번역한 덴마크 시인 Jens Peter Jacobsen의 텍스트입니다. 이 곡은 주로 1900년에 작곡되었지만 쇤베르크는 완전히 다른 미학적, 기술적 원리를 바탕으로 첫 번째 작품을 만든 후 1911년에야 관현악을 완성했습니다. 1913년 2월 23일 비엔나에서 쇤베르크의 친구 프란츠 슈레커가 지휘한 "구레의 노래" 초연은 성공을 거두었습니다. 그러나 칸타타의 저자는 나중에 작곡가로서 그의 인생에서 가장 큰 성공을 거둔 일에 거의 관심을 기울이지 않았으며 큰 박수를 보내는 청중에게 나가고 싶지도 않았습니다. 큰 어려움을 겪으면서 그들은 그를 무대에 등장하도록 강요했고, 여전히 청중을 알아채지 못한 채 공연자들에게만 감사를 표했습니다. 그 이유는 이미 시작된 과감한 혁신의 길에서 자신에게 박수를 보내준 국민들이 따라오지 않을 것이라는 확신 때문이었다고 그는 인정했다. 열정적인 청취자들의 승인을 받은 내용은 이미 Schoenberg 자신에게는 페이지가 넘겨진 것이었습니다.

구레의 노래(Songs of Gurre)의 기초가 되는 야콥센(Jacobsen)의 시는 질투심 많은 여왕 헤드비히(Hedwig)의 아내인 그의 명령에 의해 살해된 아름다운 소녀 토바(Tova)에 대한 덴마크 왕 발데마르(Valdemar)의 비극적인 사랑에 대한 이야기를 담고 있습니다. 따라서 Schoenberg의 작품은 사랑과 죽음이라는 전통적인 낭만적 모티프를 다시 한 번 발전시킵니다.

칸타타는 전체적인 디자인의 웅장함과 동시에 모든 세세한 부분까지 선조로 마감한 것이 특징입니다. 그 안에 있는 기념비성은 후기 낭만주의 음악의 많은 걸작들의 특징인 극도의 정교함과 유기적으로 결합되어 있습니다. 이 작품은 작곡가의 상상력이 남다른 관대함, 질감의 풍부함, 조화의 심리적 깊이가 인상적이다. 거대한 오케스트라, 남성 합창단 3명, 혼성 합창단 1명, 독창자 5명, 암송자 스토리텔러 등 상상할 수 있는 모든 연주력을 사용합니다.

칸타타의 각 연주를 음악적 삶의 사건으로 바꾸는 복잡한 연주 장치와 관련된 엄청난 어려움만이 그것이 "깨달은 밤"의 인기를 따라가는 것을 허용하지 않습니다. Pelléas et Mélisande를 시작으로 그녀의 음악적 언어에는 혁신이 전혀 없습니다. op에서와 같이. 4, 여기서는 개별 스타일로 통합된 다양한 영향을 느낄 수 있지만 나중에 작곡가의 가장 근본적인 창의적 업적을 나타내는 스타일과는 거리가 멀습니다. 그럼에도 불구하고 구레의 노래가 쇤베르크의 창조적 진화를 마무리할 수 있었다면 그는 여전히 음악사에 남았을 것입니다. 이를 위해서는 그가 이미 제작한 작품, 상당히 폭넓은 청중이 접근할 수 있고 최고 수준의 기술과 영감을 갖춘 작품이면 충분할 것입니다. 이 경우 오늘날 작곡가로서의 그의 명성이 훨씬 더 높아질 가능성도 있습니다. 적어도 그의 후기 작품의 언어를 이해하지 못하는 많은 음악 애호가들의 눈에는 그렇습니다. 그럼에도 불구하고 Schoenberg는 당연하고 지속적인 성공으로 이어지는 길을 끄는 것을 두려워하지 않았습니다. 이것만으로도 그의 추가 조사에 대한 자신감이 강화될 것입니다.

1900년대에 이르러 작곡가는 비엔나와 베를린 음악계에서 상당한 명성을 얻었습니다. 그의 작품의 초연은 일반적으로 스캔들이 수반되기는 했지만 특정 대중들 사이에서는 큰 성공을 거두었습니다. Schoenberg는 그의 작품의 모든 것을 승인하지는 않았지만 Mahler의 친절한 참여를 높이 평가했습니다.

이때 Schoenberg의 교육 경력이 시작되었습니다. 그는 음악의 새로운 길을 찾고 있는 호기심 많은 젊은 작곡가들로 구성된 대규모 그룹을 모았습니다. 그 중에는 선생님의 영향을 많이 받은 알반 베르크(Alban Berg)와 안톤 베베른(Anton Webern)도 있습니다. 나중에 두 사람 모두 Novo-Viennese Triad 작곡가의 멤버로서 그 옆에 음악사에 들어갈 운명이었습니다 (첫 번째 Triad는 Haydn, Mozart 및 Beethoven으로 이해됩니다). 가르칠 때 쇤베르크는 새로운 음악을 공부하는 데에만 국한되지 않고 (오히려 "자유를 가르칠 수 없다"고 믿고 피하기도 했습니다) 젊은이들에게 고전에 대한 철저한 지식과 스타일을 유능하게 이해하는 능력을 요구했습니다. 그리고 과거의 위대한 음악의 작곡 기법. 회고록에 있는 많은 학생들은 작가의 의도와 그 구현 수단에 대한 깊은 이해를 바탕으로 바흐, 모차르트, 베토벤, 슈베르트, 브람스의 작품에 대한 그의 장엄한 분석에서 강한 인상을 받았습니다. 그건 그렇고, Schoenberg의 "화음 교리"(1911)는 주로 자신의 창의적인 실천이 이미 거의 연결되지 않은 고전적인 조화 시스템의 틀 내에서 코드와 코드를 페어링하는 방법에 전념하고 있습니다. 따라서 Schoenberg에서 우리는 창의성에 집착하는 작곡가의 흔하지 않은 예를 볼 수 있으며 동시에 "외계인" 음악에 깊은 관심을 가질 수 있으며 하나 또는 여러 아이돌의 음악뿐만 아니라 백과사전의 음악에도 관심을 가질 수 있습니다. . 이후 고전에 대한 그의 탁월한 지식은 그의 작품에도 반영되어 전통의 문자와 크게 깨졌습니다.

마크 라이스

선구자

물론 Arnold Schoenberg는 20세기의 가장 뛰어난 작곡가 중 한 명으로 이미 그의 생애 동안 전 세계 음악 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 그 사람의 의견에 동의하지 않을 수도 있지만 무시할 수는 없었습니다.

I. Sollertinsky는 Schoenberg를 르네상스의 거인과 비교합니다. 그의 의견으로는 그는 동일한 유형의 "만능인"을 구현합니다. 그리고 실제로 쇤베르크는 거의 모든 음악 장르의 작품을 남긴 위대한 작곡가였을 뿐만 아니라, 오늘날까지도 뒤지지 않는 연구를 수행한 주요 음악학자였으며, 영향력 있는 작곡 학교를 창설한 교사였습니다. 유럽에 단 하나뿐입니다.” 지휘자이자 표현주의 예술가인 Sollertinsky)는 말합니다. 또한 그는 그의 작품 중 일부 (오페라 "The Happy Hand", "Moses and Aaron", 오라토리오 "Jacob 's Ladder", 합창단을위한 "Three Satires"등)에 대한 텍스트를 썼습니다. 그는 또한 드라마 The Bible Way의 작가이기도 합니다.

Schoenberg의 주요 발견 인 무조성과 12 음계는 오늘날까지 그 중요성을 잃지 않았습니다. 첫 번째는 너무 빨리 퍼져서 "발명자"의 이름조차 잊혀질 정도로 당연하게 여겨지기 시작했습니다. 당시 가장 큰 이탈리아 작곡가 중 한 명인 Alfredo Casella는 이미 1921년에 이렇게 회상했습니다. “무조성은 한 그룹이 아니라 단일 작곡가인 Arnold Schoenberg에 의해 만들어졌다는 것이 확실하게 알려져 있습니다.<...>그리고 그때부터, 이미 먼 과거에, 이 남자는 지치지 않고 같은 길을 따라 걸으며 동시대 사람들의 오해와 심지어 물질적 궁핍에도 불구하고 영웅적으로 투쟁했습니다.”

쇤베르크가 창안한 "12음으로 작곡하는 방법", 즉 나중에 12음이라고 불리게 된 방식은 음악 예술에 더 큰 영향을 미쳤습니다. 그 본질은 아마도 Schoenberg에 관한 모든 기사에 명시되어 있습니다. 12음음은 작곡가의 생애 동안 가장 격렬한 공격의 대상이었지만 이후 매우 널리 퍼졌습니다. 작곡가의 가장 치열한 상대였던 그의 완전한 대척자 이고르 스트라빈스키조차도 쇤베르크가 죽은 후에는 12음의 “신앙”으로 개종했습니다.

12음음은 구소련의 "60년대" 작곡가들에게도 영향을 미쳤습니다. 따라서 12진법은 독특한 방식으로 개발되었습니다. 그러나 Boulez의 정신인 Edison Denisov의 프랑스어 버전이 개발되었습니다. Arvo Pärt는 또한 12음음 연주자로 출발하여 결국 12음음의 변형인 독창적인 "Tintinnabuli" 시스템을 창안했으며 여전히 이 시스템으로 작곡하고 있습니다.

Schoenberg는 또한 Schoenberg가 수직 시리즈를 합리화했던 것과 같은 방식으로 작품의 형식을 합리화하려는 욕구에서 발생한 컴퓨터 음악의 창시자이기도 했습니다. 컴퓨터는 원래 단순한 전자 컴퓨터였으며 예를 들어 Yiannis Xenakis가 수학적 기반으로 만든 최초의 컴퓨터 작품입니다. 그러나 이 수학적 프레임워크는 곧 컴퓨터 기원에서 벗어나 독립적이 되었습니다. 예를 들어 Sofia Gubaidulina는 이 기술을 사용하여 작곡합니다.

쇤베르크는 20세기 음악미학에 큰 영향을 미쳤다. 그는 자신의 창의적인 신조를 다음과 같이 공식화했습니다. “예술은 엔터테인먼트가 끝나는 곳에서 시작됩니다.” 즉, 예술가는 자신을 "상아탑"(그런데 쇤베르크가 종종 비난을 받았던)에 고립되어서는 안 됩니다. 그는 확실히 시민이어야합니다. 작곡가는 그의 후기 작품을 통해 이러한 관점을 완전히 증명했습니다. 반면에, 그의 의견으로는 예술가는 대중을 위해 글을 써서는 안 된다. 왜냐하면 대중은 너무 자주 실수를 하기 때문이다. 힌데미트처럼 그의 청취자들의 의견이 궁극적인 진리라고 선언하는 일은 쇤베르크에게는 결코 일어나지 않았을 것입니다. 그는 그 자신이 영원할 것처럼 글을 썼습니다. 그리고 이제 쇤베르크가 죽은 지 반세기가 지난 지금, 우리는 그의 미학적 입장이 정확하다는 것을 완전히 확신할 수 있습니다.

그의 공식을 통해 Schoenberg는 경음악의 정의를 간접적으로 제시했는데, 이는 마치 그 의미를 그것이 만들어진 기술적 수단에서 분리하는 것처럼 매우 중요합니다. 실제로 작품을 작곡하고 연주하는 기술은 원하는 만큼 복잡할 수 있지만 오락을 위해 만들어진 경우 재즈, 헤비메탈 또는 클래식 오페레타 등 경음악입니다.

전기

Schoenberg의 전기를 간략하게 기억해 보겠습니다. 작곡가는 1874년 비엔나의 작은 상인의 ​​가족에서 태어났습니다. 그가 15세 때 아버지가 돌아가셨고, 가족의 상황은 즉시 어려워졌습니다. Schoenberg는 거의 평생 동안 비좁은 재정 상황에 머물렀고 오랫동안 그는 가능한 모든 방법으로 일했습니다. 그는 은행에서 봉사하고 "뮤지컬 블랙"으로 다른 사람들의 오페레타를 악기로 사용하고 노동자 합창단을 이끌었습니다.

작곡가로서 Schoenberg는 절대적인 독학자였습니다(그의 전체 음악 교육은 그가 어렸을 때 들었던 바이올린 수업으로 귀결되었습니다). 그의 인생에서 결정적인 역할은 Schoenberg가 몇 달 동안 작곡 수업을 들었던 작곡가 Alexander Tsemlinsky와의 만남에서 이루어졌습니다. 그러나 이러한 교훈을 교훈이라고 부르는 것은 무리일 것입니다. 여러면에서 이것은 새로운 표현 수단, 예술의 본질, 현대 음악의 발전에 대해 자신의 길을 찾고있는 젊은 작곡가들 사이의 논쟁이었습니다 (Zemlinsky는 Schoenberg보다 2 살 더 많았습니다). Tsemlinsky는 남은 생애 동안 Schoenberg의 친구이자 같은 생각을 가진 사람으로 남아있었습니다 (나중에 그는 Tsemlinsky의 오페라 "Zarema"의 대본도 썼습니다). 나중에 Schoenberg가 그의 여동생과 결혼했을 때 그들은 친족이 되었습니다.

1898년 쇤베르크의 첫 번째 가곡 작품은 비엔나 콘서트 중 한 곳에서 연주되었습니다. 공연 도중 홀에서 작은 스캔들이 발생했는데, 작곡가는 "그 이후로 스캔들이 멈추지 않았다"고 유머러스하게 썼다. 작곡가로 데뷔한 직후인 1903년에 쇤베르크는 비엔나와 베를린을 번갈아 가며 이론적이고 교육적인 활동을 시작했습니다. 1911년부터 1915년까지 쇤베르크는 베를린에 영구적으로 살면서 지휘자로서 콘서트 투어를 했습니다. 1915년부터 1917년까지 작곡가는 군대에서 복무했습니다. 1925년에 그의 기초 저작인 "화합의 교리"로 그는 교수직을 수여받았고 베를린 고등 음악 학교 작곡 수업의 책임자로 초청되었습니다. 같은 시기에 그는 프로이센 예술 아카데미의 회원이 되기도 했습니다.

나치가 집권한 후 쇤베르크는 처음으로 프랑스로 이주했습니다. 얼마 동안 그는 당시 국제 무대에서 파시즘에 대한 가장 열렬한 반대자였던 소련으로 이주할 계획이었습니다. (몰로토프-리벤트로프 조약 이전에는 아직 6년이 남았습니다.) 지휘자 프리츠 스티드리(Fritz Stiedri)와 오스카 프리드(Oscar Fried), 이미 소련으로 이주한 사람이 그를 그곳으로 불렀습니다. 그러나 결국 그는 미국에 유리한 선택을 합니다. Schoenberg는 로스앤젤레스에 정착하여 1936년부터 1944년까지 캘리포니아 대학교에서 가르쳤습니다. 작곡가는 1951년에 사망했다.

높은 곳으로

Schoenberg는 Wagner의 추종자로서 낭만적인 사람으로서 작곡 경력을 시작합니다. 그것은 프로그래밍과 교향곡 작품의 거대한 악기 구성이 특징입니다. 그러나 여기에서 그는 이전에 수행되지 않았던 프로그램 현악 6중주(R. Demel 이후 "Enlightened Night")를 작곡하여 독창적이 되었습니다. 그 시대의 또 다른 중요한 작품은 Maurice Maeterlinck의 드라마를 바탕으로 한 교향시 "Pelléas et Mélisande"입니다. 이 작업은 지속 시간이 매우 길며, 풍부한 라이트모티프에도 불구하고 형태가 플롯에 의해서만 결합된 별도의 에피소드로 분리되는 경우가 많습니다. 그러나 여기서는 악기가 훌륭하게 사용되었으며, 종종 시각적 효과도 추가되어 작품 전체가 강한 인상을 남깁니다.

1903 년 Schoenberg는 오해에도 불구하고 확고하게 목표를 추구하고 예술의 타협을 인식하지 못한 채 영원히 그에게 뛰어난 작곡가의 이상이 된 Gustav Mahler를 만났습니다. 성격뿐만 아니라 말러의 작품도 쇤베르크에게 큰 영향을 미쳤다. 이것의 가장 눈에 띄는 예는 칸타타 "Gurre의 노래"였습니다. 작곡가 초기 작업의 장점과 단점을 모두 드러냈다. 줄거리는 트리스탄과 이졸데의 이야기에 가까운 덴마크의 오래된 전설을 기반으로 합니다. 오케스트라의 구성은 말러가 천명의 참가자 교향곡에서 사용한 구성보다 뛰어납니다. 동시에, 칸타타는 교향시와 달리 여전히 부분으로 나누어져 있기 때문에, 그 길이와 심지어 복잡한 화성이 풍부함에도 불구하고 "Pelléas et Mélisande"보다 인식하기가 더 쉽습니다. 아무데도 끌리지 않습니다.

Schoenberg 작업의 다음 무조 기간은 1909년 "피아노를 위한 세 곡" op.에서 시작되었습니다. 11. 무조성은 쇤베르크의 순전히 사변적인 발명품이 아니었습니다. 제1차 세계대전 이전의 불안한 시기의 대중적 분위기는 분명히 음조의 도움만으로는 표현할 수 없을 정도였습니다. 이때 음조가 출현하기 전에 쓰여진 초기 음악에 대한 관심이 생겼습니다. 12~13세기 최초의 다성음악가부터 퍼셀(Purcell)과 몬테베르디(Monteverdi)에 이르기까지 모두에게 잊혀진 듯했던 작품들이 갑자기 출판되고 연주되기 시작했습니다. 그래서 쇤베르크는 이미 공중에 떠 있는 것만 민감하게 포착했을 뿐입니다.

무질서로의 전환에는 급격한 변화가 수반되지 않는 것이 특징입니다. 새로운 기술은 점차적으로 오래된 기술에서 성장했습니다. 그러나 Schoenberg의 스타일은 극적으로 변했습니다. 악기 구성이 줄어들고 있습니다. 처음에는 이 스타일에서 많은 수의 음성을 하나의 전체로 결합하는 방법이 명확하지 않았기 때문입니다. 오케스트라를 사용하는 경우 대규모 앙상블로 간주됩니다. 확장된 형식도 사라지고 있습니다. 고전적인 형식은 음조를 기반으로 했으며 새로운 형식은 아직 발견되지 않았습니다. 베를리오즈도 이러한 목적으로 사용한 말과 음색이 연결 수단으로 사용되었습니다. 그 시대의 오페라 "Waiting"과 "Lucky Hand"(그러나 Schoenberg 자신은 각각 모노드라마와 음악이 있는 드라마로 정의함)에서는 오케스트라가 반주 역할을 하고 보컬 부분이 전면에 나오며, "Lucky Hand"에서는 손”이라는 무언극도 있습니다. 음색의 발견 중에서 여기서는 연설 합창단에 주목해야 합니다.

Schoenberg에는 다른 혁신도 있습니다. 우선 오케스트라를 위한 5곡에 등장한 '음색선율'(Klangfarbemelodie)에 주목할 필요가 있다. 이 기술의 핵심은 음색 자체가 정확한 순서를 형성하는 것처럼 보인다는 것입니다. 지휘자는 작품을 '해석'해서는 안 되며, 작곡가가 작곡한 것만 충실히 실행해야 합니다. 또 다른 참신함은 보컬 사이클 "Pierrot Lunaire"에 처음 등장한 "대화 노래"(Sprechstimme 또는 Sprechgesang)입니다. 그것은 모든 소리가 음높이로 정확하게 표시되지만 노래되는 것이 아니라 마치 말하는 것처럼 나타나는 멜로디를 나타냅니다.

비극, 서정, 유머

그러나 “Pierrot Lunaire”는 쇤베르크의 작품에서 매우 중요한 이정표를 나타내므로 이 작품에 특히 집중할 가치가 있습니다. 하지만 그 전에, 한 가지 여담을 더 만들어 보겠습니다.

Schoenberg의 작업은 표현주의로 분류되며 그 기초는 외부 인상이 아닌 내부 경험이기 때문에 이는 확실히 사실입니다. 엄밀히 말하면 이것이 표현주의의 본질이다. 작품의 내용은 어떤 식으로든 제한되지 않습니다. 그러나 소련에 있는 우리는 쇤베르크의 가장 악의적인 비평가들의 말에 너무 강하게 사로잡혀서 이것이 필연적으로 부정적인 경험임에 틀림없으며 밝은 감정의 표현은 다른 스타일의 영향이므로 많은 사람들이 여전히 그것을 믿고 있습니다. 그러나 그의 가장 가까운 학생들의 연구조차도 여기서는 반박이 될 수 있습니다. Berg의 Wozzeck은 당시의 다른 사회 심리학 오페라보다 결코 비극적이지 않습니다. Prokofiev의 The Gambler, Hindemith의 The Artist Mathis, Shostakovich의 Katerina Izmailova 및 그의 바이올린 협주곡은 시대의 가장 밝은 작품 중 하나입니다. Schoenberg의 가장 일관된 학생인 Anton Webern은 일반적으로 절대적인 작사가입니다.

오랫동안 쇤베르크 음악의 뛰어난 표현력으로 인해 우리는 그의 음악의 밝은 면을 볼 수 없었습니다. 스승을 가장 존경하고 자신의 작품을 확실히 알고 있었던 비엔나 거장의 학생인 한스 아이슬러(Hans Eisler)조차도 마르크스-레닌주의적 정당성을 바탕으로 “쇤베르크 음악의 주요 분위기는 공포”라고 썼습니다. 훨씬 덜 호의적인 다른 비평가들로부터 무엇을 취해야 할까요?

한편 그의 작품에 나타난 서정적 기류는 매우 강하다. 쇤베르크의 첫 번째 시기 가장 인기 있는 작품 '계몽의 밤'은 자연과 사랑에 대한 열정적인 찬가이다. 이미 언급한 "피아노를 위한 세 곡", "오케스트라를 위한 다섯 곡", 그리고 S. George의 가사에 대한 보컬 사이클 "행잉 가든의 책"도 본질적으로 서정적이며 이후 작품인 바이올린 콘체르토. Schoenberg는 또한 적어도 합창단을 위한 "Three Satires"와 같은 유머러스한 작품을 가지고 있습니다.

E. O. Hartleben이 번역한 Albert Giraud의 가사에 대한 성악 사이클 "Pierrot Lunaire"(1912)에서, 이는 Schoenberg의 무조 시대 음악의 정수이며, 이 세 가지 원칙(비극, 서정적, 풍자)이 모두 하나의 뗄 수 없는 전체로 합쳐졌습니다. . 원칙적으로 "Pierrot Lunaire"는 슈베르트에서 말러까지 낭만주의 보컬 사이클의 직접적인 계승자입니다. 그것은 똑같은 수의 부품을 가지고 있고 똑같은 비극적인 결과를 낳습니다. 그러나 이것이 유사점이 끝나는 곳입니다. 그렇지 않으면 쇤베르크 주기에서는 모든 것이 거꾸로 뒤집힌 것처럼 보입니다. 풍부한 멜로디 대신 - 이야기하십시오. 반주에 피아노나 오케스트라 대신 5개 악기로 구성된 날카로운 소리를 내는 실내악 앙상블이 있는데, 그것도 완전히 사용된 적은 없다(피날레에서는 일반적으로 성악가가 플루트 한 개를 반주한다). 영웅들은 결코 재능이 풍부하고 창의적인 사람들이 아니라 비합리적인 악의 세력에 의해 끈으로 끌려가는 것처럼 보이는 꼭두각시입니다. ('Pierrot Lunaire'와 1년 전 창작된 스트라빈스키의 발레 'Petrushka' 사이에는 종종 유사점이 그려집니다. 이것은 근본적으로 잘못된 접근 방식이라고 생각합니다. 스트라빈스키는 인형에 인간의 감정을 부여하고, 쇤베르크는 사람을 인형의 형태로 묘사하며, 따라서 "Pierrot Lunaire" "훨씬 더 많은 열정의 강도.) 사이클의 음악은 매우 강하고 매우 으스스한 인상을 남깁니다. 이것은 세계 대전, 무의미한 혁명, 아우슈비츠, 굴라그, 히로시마, 그리고 개인에 대한 절대적인 경멸이 있는 다가오는 세기의 비극적 비전입니다.

"Pierrot Lunaire"는 Schoenberg의 작업에서도 중요합니다. 여기서 그는 고전적인 것과는 다른 형태를 발견했으며 동시에 일련의 무료 미니어처가 아니기 때문입니다. 주기의 구조는 유럽 전통의 신비로운 숫자 3과 7에 기초를 두고 있으며, 주기의 21개 숫자는 각각 고유한 발전 논리를 지닌 세 부분으로 나누어지는 것 같습니다. 물론, 순환에는 자유 구조의 숫자도 포함됩니다. 하지만 이와 함께 전통적인 장르(바르카롤, 세레나데)도 사용된다. 말러와 마찬가지로 그들은 부정적인 원리와 연관되어 있습니다. 그러나 Mahler에서 이것이 밝은 이미지에 반대된다면 Schoenberg에서는 절대적인 것으로 승격되어 일종의 세계 악을 상징합니다. 물론 그러한 형식의 사용 자체는 "꼭두각시" 플롯에 의해 조건화되며 매우 왜곡되고 희화화된 형식(다시 말러를 반영함)으로 제시됩니다. 그러나 베이스는 꽤 잘 들릴 수 있으며, 이는 인식을 촉진하고 음악의 정서적 영향을 향상시킵니다. 마지막으로 쇤베르크는 원칙적으로 조성과 반드시 ​​관련이 있는 것은 아닌 파사칼리아나 캐논과 같은 고전 이전 음악의 형식을 사용합니다.

지상 생활의 절반을 마치고

Schoenberg는 무음 기술과 달리 12 음음 기술을 즉시 사용하지 않았습니다. 몇 년 동안 그는 전혀 음악을 쓰지 않았습니다. 새로운 시스템을 만드는 목적은 전쟁 후 저속함과 평범함의 피난처로 변한 의사 낭만적 인 감정의 향연에 대한 균형을 찾으려는 열망이었습니다. 소규모 앙상블을 위해 작곡된 쇤베르크의 첫 12음음 작품(피아노를 위한 다섯 곡, 1923년, 관악을 위한 5중주, 1924년, 현악 4중주 4중주, 1927년)은 의도적으로 무미건조하고 로맨틱한 의미의 '경험'의 흔적이 전혀 없는 것처럼 보입니다. 단어. 저자는 구조의 엄격하고 거의 수학적 정확성과 아름다움에 감탄하는 것 같습니다.

일반적으로 독일에서 작곡된 쇤베르크의 12음음 작품은 이상한 운명을 맞이했습니다. 물론 공식적인 비판은 그들을 꾸짖었다. 이해하지 못하는 사람들과 악의를 품은 사람들도 최선을 다해 Schoenberg를 조롱했습니다. 원칙적으로 음악적 구조를 크게 중시한 힌데미트와 오르프 같은 작곡가들은 쇤베르크에게 그것이 목적이 아니라 수단이었다는 사실을 싫어했습니다. 반대로 친구들은 작곡가가 작품에 표현을 도입하여 "원칙에서 벗어나는"이유에 대해 당황했습니다. 그 기초는 이러한 표현을 피하기 위해 고안된 기술입니다. 그 결과 마음의 피로 쓴 오페라 '오늘부터 내일까지'와 '모세와 아론'은 작가가 죽은 후 훨씬 늦게 상연됐다.

Schoenberg는 이민 기간 동안에만 정상적인 창의성을 재개했으며 심지어 즉시는 아닙니다. 오페라의 운명에 낙담한 그는 오랫동안 기악만을 작곡했다. 이 기간 동안 그는 두 번째 실내 교향곡, 트리오, 다섯 번째 사중주, 피아노 및 바이올린 협주곡과 같은 가장 표현력이 풍부한 악기 작품을 만들었습니다. 콘서트에서 그는 악기의 기술적 능력의 한계에 도달하며, 이는 물론 음악의 표현력을 향상시킵니다. 연주자 중 한 명은 바이올린 협주곡에 대해 이렇게 말했습니다. “연주하기가 엄청나게 어렵지만 배우면 얼마나 큰 즐거움을 얻게 되나요!”

점차 Schoenberg는 보컬 장르로 돌아 왔습니다. 그의 작품은 점점 더 사회적인 성격을 띠고 있습니다. 그 해의 중심 작품은 폭정에 대한 열정적인 항의인 "나폴레옹에게 바친 송가"와 바르샤바 게토의 비극에 대한 소름끼치는 이야기인 "바르샤바의 생존자"입니다. 전후 몇 년 동안 Schoenberg는 때때로 12음에서 벗어나 자유로운 무조성으로 전환했습니다. 이는 주로 그가 자신의 작품에 직접 인용문을 자주 도입한다는 사실 때문입니다. "나폴레옹 송가"의 "La Marseillaise", "바르샤바의 생존자"의 "셰마 이스라엘"이라는 기도문입니다. 그리고 그러한 음악에서는 자유로운 무조성이 스타일적으로 훨씬 더 잘 어울립니다.

혁명적 보수주의자

Schoenberg의 작업은 종종 완전하고 일관된 부정으로 제시되었습니다. 그러나 부정만으로 음악을 만들 수는 없고, 부정의 주체가 사라지거나 쓸모없어지면 역사에 남을 수도 없다. Schoenberg의 강점은 그가 항상 전통과 연결되어 있다는 사실에 있습니다. 작곡가는 일생 동안 멜로디도, 화음도 없다는 비난을 받았습니다. 시간이 흘러 이것이 사실이 아니라는 것이 분명해졌습니다. 물론 쇤베르크의 멜로디는 베르디의 오페라나 차이코프스키의 교향곡과 같지 않다. 그러나 Wagner 오페라의 보컬 부분 ( "끝없는 멜로디"라고 함), 러시아 작곡가의 일부 오페라 (Dargomyzhsky의 "The Stone Guest", Rimsky-Korsakov의 "Mozart and Salieri", "Francesca da Rimini")를 보면 Rachmaninov) 또는 Schoenberg와 Debussy의 작곡 방법과 정반대인 경우에도 그의 멜로디와 이들 작곡가의 멜로디 사이에 유사점을 발견할 수 있습니다. 게다가. 반복되는 시리즈 자체는 Wagner의 leitmotif의 좀 더 정교한 버전일 뿐입니다.

조화에도 동일하게 적용됩니다. 물론 이것은 몬테베르디(Monteverdi)에서 말러(Mahler)까지 유럽을 지배했던 고전적인 하모니는 아니지만 의심할 여지 없이 하모니입니다. 왜냐하면 시리즈가 "접혀져" 이런 식으로 화음을 형성할 수 있기 때문입니다. (쇤베르크의 작품에 다성음악이 존재한다는 점에 대해 누구도 이의를 제기하지 않은 것 같습니다.)

Schoenberg의 형식은 훨씬 더 전통적이었습니다. 이런 의미에서 그는 "혁명가는 최고의 보수주의자"라는 Bernard Shaw의 생각을 완전히 정당화합니다. Schoenberg는 고전 장르로만 작곡했습니다. 그는 오페라, 오라토리오, 교향곡, 모음곡, 협주곡, 교향시, 성악 및 합창 사이클, 4중주, 5중주, 6중주 등을 썼습니다. 그에게는 “모차르트를 현대성의 증기선에서 몰아낸다”는 생각이 전혀 들지 않았습니다. 이 명백한 보수주의는 용기 부족이나 상상력 부족 때문이 아니라(쇤베르크는 두 가지 모두를 충분히 갖고 있었습니다) 아마도 무의식적으로 자신과 전 세계에 그의 시스템의 도움으로 그것이 가능하다는 것을 증명하려는 욕구에서 비롯되었을 가능성이 높습니다. 기존의 모든 형태로 작품제작이 가능합니다.

그러나 Schoenberg는 그의 직계 전임자들을 통해서만 전통에 연결되어 있는 것이 아닙니다. 중세와 르네상스의 음악은 그의 발전에 적지 않은 역할을 했으며, 그 시대와의 그의 연결은 그가 단테처럼 고통받고 분투했다는 사실, 또는 레오나르도처럼 다재다능한 성격이라는 사실에서만 표현되지 않았습니다.

Schoenberg는 이 시대의 미학과 예술 관행 모두에 영향을 받았습니다. 13~14세기 전환기에 살았던 아르스 노바 운동의 사상가인 필리프 드 비트리는 온음주의를 포기하고, 화음을 사용하여 서로 조화를 이루는 목소리를 중단하고, 엄격한 리듬도 피해야 한다고 주장했습니다. Schoenberg는 거의 600년 후 그의 모든 요청을 반복하고 이를 실행에 옮기려고 노력했습니다. 그는 '불협화음의 해방' 이론을 정당화할 때 그 시대의 음악을 직접적으로 언급한다.

그는 르네상스의 위대한 다성음악가들로부터 시리즈의 모든 주요 유형을 빌렸는데, 그는 그의 기사에서 반복적으로 이에 대해 썼습니다. (그러나 이것은 말도 안되는 일이나 자기 정당화 시도로 인식되었습니다.) 그리고 시리즈 및 그 수정 작업 방법-더 길거나 더 짧은 기간 수행, "접기", 다른 높이로 이동 등- 이것은 또한 그 시대 음악가들의 기술이기도 했습니다.

Schoenberg가 그의 작품의 장수를 보장한 것은 전통과의 많은 연결을 통해서였습니다. 엄밀히 말하면, 쇤베르크가 12음의 개념을 처음으로 생각해낸 것은 아닙니다. Schoenberg가 거의 평생 동안 우선권을 위해 싸웠던 오스트리아 작곡가 Joseph Matthias Hauer는 1912년(즉, Schoenberg보다 9년 전)에 첫 번째 12음 음악 작품을 썼고, 1920년에 그는 이미 무조 음악에 관한 교과서를 출판했습니다. 그러나 Hauer의 시스템은 훨씬 더 번거롭고 작곡가에게 그렇게 넓은 가능성을 제공하지 않았기 때문에 Schoenberg는 역사상 12음의 발명자로 기록되었습니다. 그러나 그의 영혼 깊은 곳에는 여전히 자신의 미래를 두려워하는 '작은 남자'의 콤플렉스가 남아 있었습니다.

음악학자, 교사

Schoenberg의 다른 모든 음악 활동은 작곡과 밀접한 관련이 있습니다. 그는 많은 이론적인 글을 썼습니다. 그들은 세 개의 큰 그룹으로 나눌 수 있습니다. 첫 번째로 작곡가는 자신의 미적 견해를 공식화합니다. 두 번째(가장 큰) 그룹은 순전히 이론적인 문제에만 전념합니다. 따라서 "불협화음의 해방"이라는 기사에서 그는 "12 톤으로 작곡하는 방법"이라는 기사에서 12음의 아이디어를 제시하면서 무조성의 아이디어를 입증했습니다. Schoenberg는 자신과 추종자들의 작품과 고전 사이의 비유를 그리는 것을 좋아합니다. 예를 들어 "Bach and Dodecaphony"라는 기사를 제공하겠습니다. 세 번째 그룹은 선전이 필요한 현대 작가들의 작품 연주에 대한 리뷰로 구성됩니다. 일반적으로 작품에 대한 음악적 분석도 제공합니다.

1911년에 등장한 쇤베르크의 가장 근본적인 이론 작품인 "하모니의 교리"는 작곡가가 알반 베르크에게 받은 교훈에서 탄생했습니다. 바흐부터 현대까지 독일 전통 작곡가들의 작품을 바탕으로 제작되었습니다. Schoenberg의 작업은 특정 연습 세트를 전혀 나타내지 않습니다. 오히려 이러한 연습은 음악 발전에서 개별 시대와 개별 작품의 중요성에 대한 아이디어를 보여줍니다. 작곡가는 그것을 하나의 과정으로 보여주려고 노력합니다. 그는 변화를 음악적 발전의 주요 엔진으로 간주합니다. 이 책은 쇤베르크의 작품보다 200년 전에 쓰여진 라모의 조화론과 대척점처럼 보입니다. 라모는 교육적 낙관주의로 가득 차 있으며, 새로운 형태의 음악적 표현이 열린 광대한 지평을 기뻐합니다. Schoenberg는 오히려 그것을 요약합니다. 그의 책은 고전적이지 않은 다른 코드 구조의 가능성에 대한 가설로 끝납니다. 옵션 중 하나로 나중에 12각형의 기초를 형성할 옵션이 제공됩니다. 특히 『화합의 가르침』이 쓰여진 언어에 주목할 필요가 있습니다. 쇤베르크가 독자들에게 고전 작품에 대한 존경심을 불러일으키는 효과를 얻은 것은 고도로 시적인 언어를 통해서였습니다.

Schoenberg는 교사로서 그다지 중요하지 않습니다. 평생 동안 그는 천 명 이상의 학생을 교육했으며 그중 가장 중요한 학생은 Alban Berg, Anton Webern, Ernst Kshenek, Hans Eisler입니다. 미국에서는 John Cage가 Schoenberg로부터 개인 교습을 받았습니다. Schoenberg의 학생들은 Tsemlinsky와 함께 새로운 음악적 아이디어를 위한 투쟁에서 그의 지원이 되었습니다. Schoenberg는 교사가 학생들에게 모범이 되고 역할 모델이 되어야 한다고 믿었습니다. 많은 학생들이 그의 성격의 "자기적" 영향에 대해 글을 썼습니다. Schoenberg는 현대 음악의 예를 학생들에게 가르친 적이 없습니다. 그는 교사가 학생들에게 작곡을 위한 기술적 기초를 제공해야 한다고 믿었으며 “모든 사람은 스스로 자유를 얻어야 한다”고 말했습니다. 쇤베르크가 자신의 다각적인 삶에서 얻은 모든 경험을 수업에 어떻게 활용했는지는 흥미롭습니다. 결국 합창 작품의 작가이자 작곡가로 유명해진 Eisler는 이것이 그의 선생님 덕분이라고 믿었습니다. Schoenberg는 일찍부터 그의 성향을 알아 차리고 한때 자신이 지휘했던 노동자 합창단에 그를 추천했습니다. 공산주의 이데올로기와 아이슬러의 작품 스타일은 바로 이 작품, 즉 합창단을 위한 음악을 작곡하는 과정에서 형성되었습니다.

아티스트

그림에 대한 Schoenberg의 관심도 꾸준했습니다. 그의 도서관에는 Malevich, Kandinsky 및 Kokoschka의 선언문 책이 포함되어 있습니다. 그는 전문 예술가였으며 위에서 언급했듯이 프로이센 예술 아카데미의 회원이기도 했습니다. 한동안 그는 주로 표현주의 예술가들을 통합한 블루 라이더(Blue Rider) 미술 협회의 회원이었으며, 그 중 가장 중요한 사람은 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)였습니다. Schoenberg는 The Blue Rider 전시회에 참여했으며 그의 기념일을 기념하는 컬렉션에서 그의 그림을 분석한 두 기사가 있었습니다. 물론 쇤베르크는 스타일 면에서 뭉크와 가장 가까운 매우 중요한 예술가였습니다. 그리고 의심할 여지없이 그의 재능은 작곡 분야에서 훨씬 더 눈에 띄는 업적으로 가려지지 않았다면 높이 평가되었을 것입니다.

Schoenberg는 300점이 넘는 그림을 썼습니다(여기에서 볼 수 있습니다). 이는 음악 작품보다 더 많은 것입니다. 회화 장르에서 쇤베르크의 창의성의 정점은 1908~1912년, 즉 작곡가의 가장 풍요로운 시기였으며, 그가 무조성으로 전환하여 피에로 루네르(Pierrot Lunaire)의 창작으로 정점에 이르렀습니다. 이때 그는 예술가로서의 신조를 공식화합니다. 여기서 그는 순수한 표현주의의 입장에 서 있다. "텍스트에 대한 태도"라는 기사에서 그는 현재까지의 모든 그림이 필요한 생각 표현의 완전성에 대한 일종의 서문일 뿐이라고 직접 선언합니다. Schoenberg에 따르면 회화의 실제 역사는 추상 미술에서 시작됩니다.

그러나 실제로 Schoenberg는 자신의 지시를 따르지 않았습니다. 그의 그림은 네 개의 큰 그룹으로 나뉜다. 초상화와 자화상, 정물, 풍경 등입니다. "비전", 추상화는 음악에서와 마찬가지로 공감의 과정에서만 그 의미가 드러납니다.

이 모든 그룹은 작곡가의 미학에 대한 일반적인 이해에 매우 중요합니다. 초상화는 그의 그림 중 가장 약하다. 작곡가의 특징을 특별히 나타내지는 않습니다. 그 중 다수는 친구나 가족을 위해 만들어졌습니다. 그러나 그중에는 말러의 초상화와 같은 실제 걸작이 있습니다. 그러나 Schoenberg의 수많은 자화상은 가장 다양하게 그려져 있습니다. Schoenberg는 자신을 혼자 그리고 사람들 사이에서 때로는 완전히 현실적으로, 때로는 추상적인 형태로 묘사합니다. 예를 들어, 그는 자신을 개별적으로 또는 다른 두개골로 둘러싸인 두개골 형태로 묘사하는 것을 정말 좋아합니다. 그러나 쇤베르크의 자화상 중에는 그가 즐거운 자신을 그린 그림은 단 하나도 없다. 그들에 따르면 작곡가는 자신이 인생에서 완전히 다른 사람이라는 수많은 증거에도 불구하고 공포에 지나지 않는 자신을 바라 보았습니다.

Schoenberg의 정물화와 풍경화는 상대적으로 적습니다. 기분에 따라 그들은 자화상과 정반대입니다. 그것들은 매우 가볍습니다. 그의 모든 허무주의적인 발언에도 불구하고. 분명히 작곡가의 영혼 깊숙한 곳에 숨어있는 낭만주의는 여전히 자연과 "물질적"세계를 안정된 것으로 인식하고 인간 영혼의 불안한 세계에 반대합니다. Schoenberg의 정물화는 더욱 현실적이며, 그의 풍경화는 공개적으로 인상주의적이며 특유의 흐릿한 색상은 낙관적인 분위기를 더욱 강조합니다.

작곡가의 "비전"은 절대적인 추상화부터 거의 캐리커처에 가까운 것까지 다양합니다. 종종 그는 손, 머리 등 인체의 기관을 그립니다. 그리고 이 모든 것이 대량으로 그려집니다. 그는 또한 "The Look"이라는 그림을 많이 가지고 있습니다. 이 그림들은 글쓰기 스타일과 감정적 성격 모두 매우 다릅니다. 그들의 형상적 구조를 이해하려면 관객은 최대한의 공감을 갖고 이미지의 형상적 세계를 느껴야 합니다. 이것은 가장 순수한 형태의 표현주의이며, 그 중 대부분은 "그들의 지배적인 분위기는 두려움이다"라고 Eisler의 말을 빌리면 알 수 있습니다. 예를 들어, "고기"(쇤베르크의 많은 그림과 동일한 제목을 가짐)라는 제목의 그림 중 하나는 얼핏 보면 무의미한 붓질의 집합체입니다. 제목만 알면 이것이 음식을 만드는 고기가 아니라 전쟁에서 죽은 사람의 유해라는 것을 알 수 있습니다. 그는 또한 "The Critic", "Winner", "The Defeated"등의 롤 플레잉 영화를 가지고 있습니다. 그 안에는 "Pierrot Lunaire"에서와 같이 공포가 아이러니와 서정과 섞여 있습니다. 동시에 생성되었습니다. 때때로 Schoenberg의 "비전"은 세부 사항과 관련이 있습니다. 예를 들어 그는 여러 "그리스도의 비전"을 가지고 있습니다. 이 그림에 나오는 그리스도의 이미지는 성경의 이미지와 정반대입니다. 오직 “음모”만이 성경에서 따왔으며, 강조점은 그리스도의 고난에 있습니다. 그러나 대부분의 경우 "비전"에서 Schoenberg는 그러한 지침을 제공하지 않습니다. 그는 전적으로 우리의 감각에 의존합니다. 여기와 자화상을 지배하는 공포의 느낌 속에서 우리는 어느 정도 진실성을 식별할 수 있습니다. 쇤베르크는 자신을 끔찍한 세계에서 떼어낼 수 없는 일부로 느낍니다.

쇤베르크와 유대인

유대인에 대한 Schoenberg의 태도는 흥미 롭습니다. 그는 전혀 종교적이지 않은 가정에서 태어 났으며 오랫동안 이런 의미에서 완전히 무관심했습니다. 음악가로서 그는 자신을 독일 학교의 대표자로 여겼습니다. Schoenberg가 처음 12음음 체계를 생각해냈을 때 그는 자신이 향후 100년 동안 독일 음악의 지배력을 보장할 것이라고 썼습니다. 그는 처음에는 천주교와 유대교를 하나의 종교로 통합하기를 원했고 나중에 유대 국가라는 아이디어에 이르렀던 헤르츨의 극단으로 가지 않았습니다. Schoenberg는 이럴 시간이 없었습니다. Herzl은 엘리트에 속했고 영향력 있는 신문의 기자였으며 Schoenberg는 때때로 일용할 양식을 버는 방법을 몰랐던 평민이었습니다. Tsemlinsky가 그를 소개한 작곡가 사회는 본질적으로 보헤미안적이었습니다. 그러나 이 모든 것에도 불구하고 쇤베르크는 결코 유대인임을 포기하지 않았습니다. 의심할 바 없이 그는 비엔나 전체와 마찬가지로 말러의 강제 세례에 감명을 받지 않을 수 없었습니다. 당시 비기독교인은 제국의 주요 오페라 하우스를 이끌 수 없었습니다.

이미 1921년에 쇤베르크가 히틀러의 불길한 모습에 주목했다는 점은 의미가 있습니다. 한때 Schoenberg와 같은 생각을 가진 사람이었던 예술가 Wassily Kandinsky는 유대인에 대해 부정적으로 말하고 그의 생각에 국가의 정신을 향상시킬 수 있다고 생각하는 히틀러에 대해 격려적으로 말했습니다. 작곡가의 분노한 반응에 대해 그는 Schoenberg가 "좋은 유대인"이며 말한 모든 것이 그에게 적용되지 않는다고 썼습니다. (물론 이 생각은 특별한 것이 아니었고 길거리의 러시아 남자의 전형적인 관점을 나타내었습니다. 눈치채셨나요? 길거리의 러시아 남자는 결코 예외 없이 모든 유대인을 미워하지 않습니다. 그는 항상 그들 중에서 유쾌한 예외를 발견합니다 - 그리고 그들은 원칙적으로 그의 개인적인 지인으로 밝혀졌습니다.) 작곡가는 아마도 히틀러가 이러한 관점을 공유하지 않았을 것이라고 반대했습니다. 그는 다음과 같이 썼습니다. "그가 새로운 성 바르톨로메오의 밤을 준비하고 있는 것이 보이지 않습니까? 그리고 오늘 밤의 어둠 속에서 쇤베르크가 좋은 유대인이라는 것을 아무도 알아채지 못할 것입니다." (칸딘스키는 이후 히틀러의 정권을 인정하고 나치 독일에 남았습니다.)

독일에서 쓰여진 유대인 주제에 대한 가장 눈에 띄는 작품은 오페라 모세와 아론입니다. 그것은 1932년에 창설되었으며 다가오는 파시즘의 위협에 대한 일종의 항의였습니다. 위협적인 시대에 작곡가는 토라의 높은 윤리로 돌아갑니다. 쇤베르크는 이 오페라를 자신이 한때 사랑했던 바그너의 작품과 대조되는 작품으로 생각했습니다. 바그너의 성숙한 오페라에서 모든 좋은 캐릭터는 주로 힘으로 눈에 띄고, 긍정적이든 부정적이든 승리하는 사람은 힘의 도움으로 만 승리합니다. 권력은 바그너 세계의 알파이자 오메가이다. 영웅들 사이의 모든 투쟁, 모든 음모는 힘과 권력의 이름으로 만 수행됩니다. Nibelungs에는 불운 한 반지라는 특별한 상징도 있습니다. 도덕적인 관점에서 볼 때, 영웅들은 어떤 기준에도 속하지 않고, 도둑질하고, 죽이고, 간음합니다. "아리아인" 영웅들은 우월한 종족으로서 이 모든 일을 할 수 있을 뿐만 아니라 심지어는 격려를 받습니다. 경우에는 그들 사이에서 사소한 "대결"이 발생합니다.

Schoenberg에서 영웅은 높은 도덕성과 생각의 순수성 때문에 생각의 도움으로 승리합니다. 이 오페라는 모세가 십계명을 받기 위해 시내산에 갔을 때의 에피소드를 바탕으로 만들어졌습니다. 아시다시피 아론은 자신이 없을 때 사람들을 진정시키기 위해 타협하여 금송아지를 만들었습니다. 내용을 두 문장으로 요약할 수 있는 이 에피소드에서 쇤베르크는 아이디어의 실제 드라마를 창조했습니다. 그것은 모세와 아론의 형상으로 의인화되는 선과 악의 대결 형태로 발생합니다. 평생 어떤 타협도 해본 적이 없는 작곡가는 그것들을 절대악으로 여기고 어떤 선한 의도로도 정당화할 수 없다. 그는 양심을 따르거나 단순히 위험을 과소평가하는 사람들(예를 들어 칸딘스키)이 나중에 악마의 종이 되는 방법을 자주 관찰해야 했습니다. 문제는 사람들이 가장 현명한 사람의 말을 듣지 않고 가장 큰 소리를 내는 사람의 말을 듣는다는 것입니다. 오페라 <모세와 아론>에서는 그를 가차 없이 묘사하는 모습이 나온다. 그는 확실히 최선을 다하기 위해 노력하지만 이것은 무지한 대중이며 지도자는이 대중의 수간 본능에 빠져들 수 없습니다. 왜냐하면 그 자신이 양심과 하나님 앞에서 책임이 있기 때문입니다. 문제는 토라에 따르면 모세는 혀가 묶여 있고 아론은 선지자의 생각을 백성에게 전달해야 한다는 것입니다. 인생에서 선과 악이 연결되어 있는 것처럼 그것들도 서로 연결되어 있습니다. 그러나 “입”이 “마음”과 분리되어 필요한 것을 표현하지 못한다면 어떻게 해야 합니까? Schoenberg는 이 질문에 대한 답을 갖고 있지 않습니다. 모세의 마지막 문구, “말씀이요, 내게는 없는 말씀이로다!” 당시 작곡가의 절망을 고스란히 표현하고 있다. (정확하게 말하자면, 나중에 그의 오페라 제작을 보장하기 위해 Schoenberg는 낙관적인 결말을 지정하고 줄거리를 계속하고 후속 보복을 설명하기를 원했습니다. 그러나 이것은 오페라의 일반적인 스타일과 매우 반대되었습니다. 계획된 3막에서는 대본의 몇 구절만 남았습니다.)

오페라의 음악적 언어 역시 바그너의 음악적 언어와 정반대이다. 전체 작품의 소재의 통일성을 바탕으로 한 12 음의 기법은 신과 백성의 일치, 지도자와 백성의 일치, 선과 악의 불가분성을 가장 잘 전달할 수 있습니다. 동시에 시리즈를 변화시킬 수있는 거의 무한한 가능성 덕분에 사람들의 분열, 지도자와 사람들의 상호 오해, 선과 악의 비극적 대결 등이 있습니다. "모세와 아론"이 쇤베르크의 가장 큰 십이음 작품이라는 것은 우연이 아닙니다. 사랑의 갈등이 없음에도 불구하고(바그너와는 대조적입니다 - Schoenberg에 따르면 세상을 지배하는 것은 열정이 아닙니다) 오페라는 독점적으로 경치가 좋습니다. 유연한 암송은 분위기의 모든 미묘함을 완벽하게 전달하고, 말하는 합창단은 갈등 장면에서 사용되며, 황금 송아지 주위의 춤은 기질이 비슷하며 "야생적인" 동양적 색채가 보로딘의 "이고르 왕자"의 "폴로브치아 춤" 또는 R. 슈트라우스의 '살로메' 중 '일곱 베일의 춤'.

1933년 프랑스로 이주한 후 쇤베르크는 반항적으로 유대교 신앙을 받아들였습니다. 미국에 살면서 그는 가장 화해할 수 없는 반파시스트가 되었으며, 이는 억압받고 고통받는 사람들에 대한 연대일 뿐만 아니라 뚜렷한 유대인 입장이기도 합니다. "나폴레옹 송가"는 종종 "아르투로 위의 경력"과 비교됩니다. 두 작품 모두 매우 유사합니다. 당시 모든 사람이 알아볼 수 있었던 주제에 대한 우화입니다. 차이점은 브레히트의 희곡은 이데올로기적 반대자의 입장에서 쓰여진 반면, 쇤베르크의 음악 팜플렛은 피해자의 입장에서 쓰여졌다는 점이다. 그리고 두 작품 모두 매우 강력한 효과를 갖고 있음에도 불구하고 효과의 성격이 다릅니다.

미국에서 창작된 유대인 주제에 대한 쇤베르크의 가장 눈에 띄는 작품은 독자, 남성 합창단, 관현악단을 위한 "바르샤바의 생존자"입니다. 작곡가는 바르샤바 게토 해방 후 무방비 상태의 사람들을 완전히 말살하려는 히틀러의 메커니즘을 발견하고 충격을 받았습니다. 내레이션은 탈출에 성공한 가상의 내레이터의 관점에서 진행됩니다. Schoenberg가 직접 텍스트를 썼습니다. 독자가 솔로 파트에 우연히 선택된 것은 아니다. 작곡가에 따르면 아무리 노래를 많이 불러도 죄수들이 경험한 공포를 전달할 수는 없다고 합니다. 작품은 '셰마 이스라엘'을 부르며 죽음을 맞이하는 유대인들의 모습으로 끝난다. 히브리어로 남성 합창단이 부른 정확하게 인용된 기도문은 일종의 섬뜩한 카타르시스입니다. 모든 것에도 불구하고 영적인 원리가 여전히 승리합니다.

생애 말기에 Schoenberg는 유대인 문제에 더욱 관심을 갖게되었습니다. 그는 이스라엘 국가의 창설을 환영하고 많은 영적인 작품을 썼으며 최근에는 예루살렘으로 이주할 계획을 갖고 있었습니다. 이러한 의도는 의심할 여지 없이 가장 심각했지만, 한때 작곡가는 소련으로 갈 계획을 진지하게 계획하고 있었습니다. 어떤 식 으로든 나는 쇤베르크의 미학, 세계 시민으로서의 자신의 감각, 행진하는 이스라엘 벤 구리온에서 유럽 전통과의 긴밀한 연결을 상상할 수 없습니다. 죽음은 이 문제를 해결했고 자비롭게도 쇤베르크를 유대인 사상에 대한 실망으로부터 구해냈습니다.

Arnold Franz Walter Schoenberg(독일어: Arnold Franz Walter Schoenberg, 원래 Schönberg, 1874-1951)는 오스트리아와 미국의 작곡가, 교사, 음악학자 및 지휘자였습니다. 음악 표현주의의 가장 큰 대표자이자 12음(12음) 및 연속 기법과 같은 기법의 저자입니다.

Arnold Schoenberg는 1874년 9월 13일 비엔나의 레오폴트슈타트 지구(이전 유대인 게토)에서 유대인 가정에서 태어났습니다. 프라하 출신의 그의 어머니 Paulina Náchod(1848~1921)는 피아노 교사였습니다. 원래 프레스부르크(그의 아버지가 세체니에서 이사한 곳) 출신인 사무엘 쇤베르크(Samuel Schönberg) 신부(1838-1889)는 상점 주인이었습니다. Arnold는 주로 독학한 음악가였으며 그의 처남인 Alexander von Zemlinsky로부터 대위법 수업만 받았습니다(Schoenberg는 1901년 Zemlinsky의 여동생 Matilda와 결혼했습니다). 20세 청년이었던 쇤베르크는 오페레타 편곡을 하면서 생계를 유지하는 동시에 19세기 후반 독일 음악 전통에 따라 자신의 작곡을 작업했는데, 그 중 가장 유명한 것은 현악 6중주 "계몽"이었습니다. 밤”, op. 4 (1899).

그는 시 "Pelléas et Mélisande"(1902-1903), 칸타타 "Gurre의 노래"(1900-1911) 및 "The First String Quartet"(1905)에서 동일한 전통을 발전시켰습니다. Schoenberg의 이름이 명성을 얻기 시작합니다. 그는 구스타프 말러(Gustav Mahler)와 리하르트 슈트라우스(Richard Strauss)와 같은 저명한 음악가들로부터 인정을 받았습니다. 1904년에 그는 화성, 대위법, 작곡에 대한 개인 교육을 시작했습니다. Schoenberg 음악의 다음 중요한 무대는 그의 First Chamber Symphony (1906)였습니다.

1908년 여름, Schoenberg의 아내 Matilda는 예술가 Richard Gerstl과 사랑에 빠진 후 그를 떠났습니다. 몇 달 뒤, 남편과 아이들에게 돌아온 게르스틀은 자살했습니다. 이번에는 Schoenberg에게 그의 음악적 미학의 개정과 스타일의 급진적인 변화와 일치했습니다. 그는 첫 번째 무조 작품인 로맨스 "당신은 은빛 버드나무에 기대었습니다"("Du lehnest wide eine Silberweide")와 그의 초기 작품 중 가장 혁명적인 작품인 "두 번째 현악 4중주" op.10(1907-1908)을 만들었습니다. 거기에 그는 성악, 소프라노를 추가하고 스테판 게오르게(Stefan Gheorghe)의 시를 음악에 추가했습니다. "오케스트라를 위한 다섯 곡" op.16(1909)에서 그는 자신의 새로운 발명품인 음색 선율 방법(Klangfarbenmelodie)을 처음으로 사용했습니다.

1910년 여름, 쇤베르크는 그의 첫 번째 중요한 이론 저작인 "화합의 교리"("Harmonielehre")를 썼습니다. 그런 다음 그는 성악-악기 사이클 "Pierrot Lunaire"(op. 21(1912)은 Albert Giraud의 시에서 그가 발명한 Sprechstimme 방법(읽기와 노래 사이의 음성 낭송)을 사용합니다. 1910년대 그의 음악은 베를린의 표현주의자들 사이에서 인기를 얻었으며 문학 "뉴 클럽"의 모임에서 연주되었습니다.

20년대 초반에 그는 일반적으로 "12음계"로 알려진 새로운 "12개의 관련 성조로 구성하는 방법"을 발명하여 그의 "세레나데" op에서 처음으로 시도했습니다. 24 (1920-1923). 이 방법은 20세기 유럽과 미국 클래식 음악에 가장 큰 영향을 미친 것으로 입증되었습니다.

1925년까지 쇤베르크는 주로 비엔나에 살았습니다. 1925년에 그는 베를린 프로이센 예술 아카데미의 작곡 교수가 되었습니다.

1933년(나치가 정권을 잡았음) 쇤베르크는 미국으로 이주하여 보스톤의 말킨 음악원(Malkin Conservatory)에서 처음 가르쳤고, 1935년에는 서던캘리포니아 대학교(University of Southern California), 1936년에는 로스앤젤레스에 있는 캘리포니아 대학교(University of California in Los Angeles)에서 가르쳤습니다.

Schoenberg의 가장 중요한 업적 중 하나는 30년대 초에 시작된 성서 이야기 "모세와 아론"을 바탕으로 한 그의 미완성 오페라였습니다. 오페라의 모든 음악은 하나의 12음표 시리즈를 기반으로 합니다. 모세의 주요 역할은 독자가 Sprechgesang 방식으로 수행하고 Aaron의 역할은 테너에게 할당됩니다.

평생 동안 Schoenberg는 교사로 활동했으며 은하계 전체의 작곡가를 훈련했습니다. 그 중 가장 눈에 띄는 사람은 Anton Webern, Alban Berg, Ernst Kshenek, Hans Eisler, Roberto Gerhard입니다. Schoenberg는 "새로운 비엔나 학교"로 알려진 작곡가 학교 전체를 창설하고 이끌었습니다. Hauer는 Schoenberg의 무조 음악의 영향을 받아 그의 초기 작품을 썼습니다. 1935년에 이미 캘리포니아에서 John Cage는 그의 개인 학생이 되었습니다. 지휘자로서 음악을 가르치고, 작곡하고, 콘서트를 조직하고 연주하는 동시에 Schoenberg는 많은 책, 교과서, 이론 연구 및 기사의 저자이기도 했습니다. 무엇보다도 그는 독창성과 열렬한 상상력으로 구별되는 그림을 그렸습니다.

수성의 분화구는 Schoenberg의 이름을 따서 명명되었습니다.

Arnold Schoenberg는 트리스카이데카포비아(triskaidekaphobia)를 앓고 있었습니다. 이것이 그의 마지막 오페라가 정확한 "Moses and Aaron"( "Moses und Aaron") 대신 "Moses and Aron"( "Moses und Aron")이라고 불리는 이유입니다. 두 번째 제목의 글자 수는 13입니다. 그는 13일에 태어났고, 결과적으로 사망했는데, 그는 평생 동안 이를 나쁜 징조로 여겼습니다. 어느 날 그는 13번 집 임대를 단호하게 거부했습니다. 작곡가는 자신이 76세가 되는 날을 두려워했습니다. 왜냐하면 이 숫자를 더하면 악명 높은 13번이 되기 때문입니다. 많은 사람들이 쇤베르크가 몹시 두려워했던 전설을 알고 있습니다. 그의 76번째 생일인 13일의 금요일은 1951년 7월 13일이었습니다. 소문에 따르면 그는 하루 종일 침대에 누워 자신의 죽음을 준비했다고 합니다. 아내는 남편에게 일어나 “이런 말도 안되는 소리를 멈추라”고 설득하려 했고, 남편이 “화합”이라는 말을 한 마디만 하고 죽었을 때 얼마나 충격을 받았을지 상상해 보십시오. Arnold Schoenberg는 자정 13분 전인 오후 11시 47분에 이 세상을 떠났습니다.

1898년에 쇤베르크는 개신교로 개종했습니다. 1933년 파리 유대교 회당에서 유대교 개종식이 거행됐다.

(1951-07-13 ) (76세)

아놀드 프란츠 월터 쇤베르크(독일 사람) 아놀드 프란츠 월터 쇤베르크, 처음에는 쇤베르크; 1874년 9월 13일 - 1951년 7월 13일) - 오스트리아와 미국의 작곡가, 교사, 음악학자, 지휘자, 홍보 담당자. 음악 표현주의의 가장 큰 대표자이자 새로운 비엔나 학교의 창시자이자 12음(12음) 및 연속 기법과 같은 기법의 저자입니다.

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    Arnold Schoenberg는 1874년 9월 13일 비엔나의 레오폴트슈타트 지구(이전 유대인 게토)에서 유대인 가정에서 태어났습니다. 프라하 출신의 그의 어머니 Paulina Náchod(1848-1921)는 피아노 교사였습니다. 원래 프레스부르크(그의 아버지가 세체니에서 이사한 곳) 출신인 사무엘 쇤베르크(Samuel Schönberg) 신부(1838-1889)는 상점 주인이었습니다. Arnold는 주로 독학한 음악가였으며 그의 처남인 Alexander von Zemlinsky로부터 대위법 수업만 받았습니다(Schoenberg는 1901년 Zemlinsky의 여동생 Matilda와 결혼했습니다).

    1901년부터 1903년까지 그는 베를린에 살면서 스턴 음악원에서 작곡 수업을 가르쳤습니다. 1903년에 그는 비엔나로 돌아와 음악 학교 중 한 곳에서 교사로 일했습니다.

    20세 청년이었던 쇤베르크는 오페레타 편곡을 하면서 생계를 유지하는 동시에 19세기 후반 독일 음악의 전통에 따라 자신의 작곡을 작업했는데, 그중 가장 유명한 것은 현악 6중주 "깨달은 밤"이었습니다. op. 4 ().

    그는 시 "Pelléas et Mélisande"(1902-1903), 칸타타 "Gurre의 노래"(1900-1911) 및 "The First String Quartet"(1905)에서 동일한 전통을 발전시켰습니다. Schoenberg의 이름이 명성을 얻기 시작합니다. 그는 구스타프 말러(Gustav Mahler)와 리하르트 슈트라우스(Richard Strauss)와 같은 저명한 음악가들로부터 인정을 받았습니다. 1904년부터 그는 화성, 대위법, 작곡에 대한 개인 교육을 시작했습니다. Schoenberg 음악의 다음 중요한 무대는 그의 First Chamber Symphony (1906)였습니다.

    1908년 여름, Schoenberg의 아내 Matilda는 예술가 Richard Gerstl과 사랑에 빠진 후 그를 떠났습니다. 몇 달 뒤, 남편과 아이들에게 돌아온 게르스틀은 자살했습니다. 이번에는 Schoenberg에게 그의 음악적 미학의 수정과 스타일의 급진적인 변화와 일치했습니다. 그는 최초의 무조 작품인 낭만주의 작품인 "당신은 은빛 버드나무에 기대었습니다"("Du lehnest dich wieder zu einen Weinenbaum an")와 그의 초기 작품 중 가장 혁명적인 작품인 "두 번째 현악 4중주" op.10(1907- 1908), 피날레에서 그는 소프라노 목소리를 추가하여 스테판 게오르게(Stefan Gheorghe)의 시를 음악으로 설정했습니다. "오케스트라를 위한 다섯 곡" op.16(1909)에서 그는 자신의 새로운 발명품인 음색 선율 방법(Klangfarbenmelodie)을 처음으로 사용했습니다.

    1910년 여름, 쇤베르크는 그의 첫 번째 중요한 이론 저작인 "하모니의 교리"("Harmonielehre")를 썼습니다. 그런 다음 그는 성악-악기 사이클 "Pierrot Lunaire"(op. 21(1912)은 독서와 노래의 중간인 음성 낭송인 Sprechstimme 기술을 사용하는 Albert Giraud의 시입니다. 1910년대 그의 음악은 베를린의 표현주의자들 사이에서 인기를 끌었고 문학계의 신클럽(New Club) 회의에서 연주되었습니다.

    1920년대 초, 그는 일반적으로 "12음계"로 알려진 새로운 "12개의 관련 성조를 사용한 구성 방법"을 발명했으며, 이를 처음으로 그의 "세레나데" op에서 시도했습니다. 24 (1920-1923). 이 방법은 20세기 유럽과 미국 클래식 음악에 가장 큰 영향을 미친 것으로 입증되었습니다.

    1925년까지 쇤베르크는 주로 비엔나에 살았습니다. 1925년에 그는 베를린 프로이센 예술 아카데미의 작곡 교수가 되었습니다.

    1933년 나치가 집권한 후 쇤베르크는 미국으로 이주하여 보스톤의 말킨 음악원(Malkin Conservatory), 1935년부터 서던 캘리포니아 대학교(University of Southern California), 1936년부터 로스앤젤레스 캘리포니아 대학교(University of California in Los Angeles)에서 가르쳤습니다.

    쇤베르크의 가장 중요한 업적 중 하나는 1930년대 초에 시작된 성서 이야기 "모세와 아론"을 바탕으로 한 그의 미완성 오페라였습니다. 오페라의 모든 음악은 하나의 12음표 시리즈를 기반으로 합니다. 모세의 주요 역할은 Sprechgesang 방식으로 독자가 수행하고 Aaron의 역할은 테너에게 할당됩니다.

    평생 동안 Schoenberg는 교사로 활동했으며 은하계 전체의 작곡가를 훈련했습니다. 그 중 가장 눈에 띄는 사람은 Anton Webern, Alban Berg, Ernst Kshenek, Hans Eisler, Roberto Gerhard입니다. Schoenberg는 "새로운 비엔나 학교"로 알려진 작곡가 학교 전체를 창설하고 이끌었습니다. Hauer는 Schoenberg의 무조 음악의 영향을 받아 그의 초기 작품을 썼습니다. 1935년에 이미 캘리포니아에서 John Cage는 그의 개인 학생이 되었습니다.

    지휘자로서 가르치고, 작곡하고, 콘서트를 조직하고 연주하는 것 외에도 Schoenberg는 많은 책, 교과서, 이론 연구 및 기사의 저자이기도 했습니다. 무엇보다도 그는 독창성으로 구별되는 그림을 그렸습니다.

    1951년 7월 13일 캘리포니아에서 사망. 그는 비엔나 중앙묘지에 안장되었습니다.

    수성의 분화구는 Schoenberg의 이름을 따서 명명되었습니다. 1974년 오스트리아 우표에 등장했습니다.

    에세이

    • 바리톤과 피아노를 위한 2개의 Gesänge(2개의 노래) op. 1 (1897-1898)
    • 성악과 피아노를 위한 4개의 가곡(4곡) op. 2 (1899)
    • 성악과 피아노를 위한 6개의 가곡(6곡) op. 3 (1899/1903)
    • "Verklärte Nacht"("깨달은 밤") op. 4 (1899)
    • 독창자, 합창단, 오케스트라를 위한 "구레의 노래"(1900년, 1911년 관현악)
    • "Pelleas und Melisande", ( "Pelleas and Melisande") op. 5 (1902/03)
    • 소프라노와 피아노를 위한 8개의 가곡 op. 6 (1903/05)
    • 현악 4중주 1번 D단조 op. 7 (1904/05)
    • 오케스트라와 함께하는 6개의 가곡(6개의 노래) op. 8 (1903/05)
    • 캄머심포니 No. 1번 (제1실내교향곡) op. 9 (1906)
    • 제2현악4중주 F샵단조(소프라노 포함) op. 10(1907/08)
    • 피아노를 위한 3개의 스투케(3개의 소품) op. 11 (1909)
    • 성악과 피아노를 위한 2개의 발라덴(2개의 발라드) op. 12 (1906)
    • 혼성합창단을 위한 “Friede auf Erden”(“지상의 평화”) op. 13 (1907)
    • 성악과 피아노를 위한 2개의 가곡(2곡) op. 14(1907/08)
    • 15 Gedichte aus Das Buch der hängenden Gärten
    (스테판 게오르게(Stefan Gheorghe)의 공중정원에 관한 책 중 15개의 시), op. 15 (1908/09)
    • Fünf Orchesterstücke (관현악을 위한 5개의 소품) op. 16 (1909)
    • “Erwartung”(“대기”) 소프라노와 관현악을 위한 모노드라마 op. 17 (1909)
    • "Die Glückliche Hand"("행운의 손")
    합창단과 오케스트라를 위한 음악이 포함된 드라마 Op. 18 (1910/13)
    • 실내악 오케스트라를 위한 세 개의 작은 소품(1910)
    • 피아노를 위한 Sechs Kleine Klavierstücke(6개의 작은 소품) op. 19(1911)
    • 소프라노와 합주를 위한 "Herzgewächse"("마음의 촬영") op. 20 (1911)
    • "Pierrot lunaire", ("Lunar Pierrot") 멜로드라마 21편
    Albert Giraud 시의 성악과 합주 op. 21 (1912)
    • 성악과 관현악을 위한 4개의 가곡(4곡) op. 22 (1913/16)
    • 피아노를 위한 5개의 스투케(5개의 소품) op. 23 (1920/23)
    • 앙상블과 바리톤을 위한 세레나데 op. 24 (1920/23)
    • 피아노를 위한 모음곡 op. 25 (1921/23)
    • 관악 5중주 op. 26 (1924)
    • 혼성 합창단을 위한 4개의 스투케(4개의 소품) op. 27 (1925)
    • 혼성 합창단을 위한 3개의 풍자 op. 28 (1925/26)
    • 모음곡 op. 29 (1925)
    • 현악4중주 3번 op. 30 (1927)
    • 관현악을 위한 변주곡 op. 31 (1926/28)
    • “Von heute auf morgen” (“오늘부터 내일까지”)
    5성부와 관현악을 위한 단막 오페라 op. 32 (1929)
    • 피아노를 위한 2개의 스투케(2개의 소품) op. 33a(1928) 및 33b(1931)
    • Begleitmusik zu einer Lichtspielzene
    (영화 장면을 위한 음악) 오케스트라를 위한 op. 34 (1930)
    • 남성 합창단을 위한 6개의 스투케(6곡) op. 35 (1930)
    • 바이올린 협주곡 op. 36 (1934/36)
    • 제4현악4중주 op. 37 (1936)
    • 캄머심포니 No. 2번 (제2 실내 교향곡) op. 38 (1906/39)
    • 합창단과 관현악을 위한 “Kol nidre”(“모든 서약”) op. 39 (1938)
    • 오르간을 위한 "낭송" 변주곡 op. 40 (1941)
    • 나폴레옹에게 바치는 송가 부오나파르트(Buonaparte)
    성악과 피아노 5중주를 위한 op. 41 (1942)
    • 피아노 협주곡 op. 42 (1942)
    • 브라스밴드를 위한 주제와 변주곡 Op. 43a(1943년)
    • 교향악단을 위한 주제와 변주곡 op. 43b(1943년)
    • 합창단과 관현악을 위한 '창세기'의 전주곡 op. 44 (1945)
    • 현악 삼중주 op. 45 (1946)
    • 바르샤바의 생존자 op. 46 (1947)
    • 바이올린과 피아노를 위한 환상곡 op. 47 (1949)
    • 저음 및 피아노 op를 위한 3곡(3곡) 48 (1933-1943)
    • 3개의 민요 (3개의 합창단 - 독일 민요) op. 49 (1948)
    • 혼성합창단을 위한 “Dreimal tausend Jahre”(“3000년”) op. 50a (1949)
    • 혼성합창을 위한 시편 130편 “De profundis”(깊은 곳에서) op. 50b (1949-1950)
    • "현대 시편"
    독자를 위한 혼성합창단과 관현악 op. 50c(1950년, 미완성)
    • “모세와 아론”(“모세와 아론”) 3막의 오페라(1930-1950, 미완성)

    음악 작품

    . Leo Black의 일부 번역; 이것은 Dika Newlin이 편집한 1950년 철학 도서관(뉴욕) 출판물의 확장판입니다. 볼륨에는 메모가 포함됩니다.
  • 리진스키 A.S. Arnold Schoenberg의 합창 작품. - M., 2010. - ISBN 978-5-9973-0966-4.
  • Vitol I., Arnold Schoenberg의 The Doctrine of Harmony(“Harmonielehre”), “Musical Contemporary”, 1915, No. 2.
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    • SCHONBERG Arnold (Schönberg, Arnold; 1874, Vienna, - 1951, Los Angeles), 작곡가, 음악 이론가, 교사 및 화가, 표현주의 창시자 중 한 명이자 음악의 12음계 시스템 창시자, 소위 New의 수장 비엔나 학교. 가난한 사업가의 가족에서 태어났습니다. 어렸을 때 그는 바이올린과 첼로 연주를 배웠고 아마추어 오케스트라에서 연주했으며 처음에는 작곡의 기본을 알지 못한 채 뮤지컬을 작곡했습니다. 쇤베르크는 16세가 되어서야 체계적으로 음악을 공부하기 시작했습니다. 1891년에 그는 실제 체육관을 졸업하고 개인 은행에 입사했지만 몇 년 후 은행을 떠나 전적으로 음악에 전념했습니다. 그의 선생님은 작곡가이자 지휘자인 A. von Zemlinsky였으며 Schoenberg 다성음악 수업을 했습니다. 1895~99년 비엔나 교외에서 노동자 합창단을 지휘했습니다.

    1898년에 쇤베르크는 기독교(개신교 종파 중 하나로)로 개종했고, 1901년에 스승의 여동생인 마틸데 폰 젬린스카야(Mathilde von Zemlinskaya)와 결혼했습니다. 1901~1903년 베를린에 살면서 작가들의 카바레에서 오케스트라를 지휘하고 개인 레슨도 했습니다. 1903년부터 그는 비엔나 음악 학교 중 한 곳에서 가르쳤습니다. 1911년 Schoenberg는 V. Kandinsky를 만났는데, 이는 두 사람의 예술적 세계관에 큰 영향을 미쳤습니다. Schoenberg는 예술가로도 알려져 있습니다. 1911년 베를린에서 열린 예술가 그룹 "The Blue Rider"의 전시회에서 처음으로 작품을 선보였으며 비엔나와 다른 도시에서 전시되었으며 때로는 Kandinsky와 함께 전시되었습니다. 지휘자로서 쇤베르크는 베를린, 비엔나, 암스테르담, 런던, 상트페테르부르크 등 여러 도시에서 콘서트를 열었지만 영구적인 수입을 얻지는 못했습니다. 심지어 쇤베르크가 G. 말러에게 보낸 1910년 편지에도 재정 지원에 대한 요청). 제1차 세계대전 중에는 오스트리아군에서 복무했습니다. 1925년 L. Kestenberg의 주도로 그는 베를린에 있는 프로이센 예술 아카데미의 교수직에 초청받았으며, 1933년 나치가 집권하면서 그곳에서 해고되었습니다. 프랑스로 이주했습니다.

    1933년에 쇤베르크는 파리의 회당에서 유대교로의 귀환 의식을 거행했습니다. 곧 Schoenberg는 미국으로 이주하여 처음에는 보스턴(사립 음악원에서 가르쳤음)과 뉴욕에서 살았습니다. 그는 시카고와 다른 도시에서 강의했습니다. 1934년부터 그는 캘리포니아 대학의 교수로 재직했습니다. 1940년에 Schoenberg는 미국 시민권을 취득했습니다.

    Schoenberg의 초기 작품은 V. R. Wagner의 영향을 받아 부분적으로 J. Brahms의 영향을 받아 썼습니다. R. Demel(1899) 이후의 6중주 "Enlightened Night", M. Maeterlinck(1902-1903) 이후의 교향시 "Pelleas and Mélisande", 칸타타 "Songs" Gurre"를 J. Jacobsen(1900-11)의 작사, First String Quartet(1905)으로 변환합니다. 표현주의의 특성은 실내 교향곡(1906), 현악 4중주 제2(1907~1908), S. George(1908~1909)의 시를 바탕으로 한 15곡, M. Pappenheim 이후의 모노드라마 'Waiting'(1909)에 나타납니다. , 그리고 오페라 "행복한"을 자신의 대본(1913)에 담았습니다.

    Schoenberg 작업의 전환점은 벨기에 시인 A. Giraud (1912)의시를 기반으로 한 여성 목소리 및 기악 앙상블을 기반으로 한 멜로디 암송 "Pierrot Lunaire"의주기였습니다. 처음 사용되었으며 표현주의 음악 예술의 완전한 예였습니다. 이 작품에서 작곡가는 음악 구성의 새로운 원칙을 찾고 있었습니다.

    Schoenberg는 Schoenberg가 "12음계"라고 부르는 새로운 12단계 구성 시스템의 창시자였으며, 그 핵심은 작곡가가 사용하는 반음계 계열의 12개 사운드인 "시리즈"(또는 "시리즈"의 일부)라는 것입니다. - 척도의 주요(안정적) 및 하위 등급이 있는 고전 시스템과 달리 동일한 단위입니다. 결과적으로 모달 조성(특히 장조와 단조)과 소리 간의 모달 연결이 사라지고 자음과 불협화음 및 기타 소리 조합의 개념이 지워집니다. 십이음기법을 사용하여 작곡된 음악은 무조성입니다. 12음의 원리에 전적으로 기초한 쇤베르크의 첫 번째 작품은 피아노 모음곡(1921~23)이었다.

    Schoenberg는 T. Mann의 소설 "Doctor Faustus"에서 작곡가 Adrian Leverkühn의 프로토타입 중 하나로 활동했으며, 저자는 그를 대신하여 12음 이론을 자세히 설명했습니다. Mann과 Schoenberg 사이에 그의 이론 사용에 대한 논쟁이 일어났습니다(Schoenberg는 "미래는 누가 누구와 동시대인인지 보여줄 것입니다!"라는 단어를 소유하고 있습니다). Schoenberg의 요청에 따라 소설의 모든 판에는 T. Mann의 설명이 첨부되었습니다. "... 일반적으로 이 책의 음악적 이론 부분은 많은 세부 사항이 Schoenberg의 조화에 대한 가르침에 영향을 받았습니다."

    Schoenberg는 12음 작곡 체계의 창조가 자의적인 행위의 결과가 아니라 음악 예술 발전에 있어 역사적으로 조건화되고 필요한 단계라고 확신했지만 그의 체계가 보편적이라고 생각하지는 않았습니다.

    Schoenberg와 그의 가르침은 정치적 입장을 포함하여 격렬한 공격을 받았습니다. 나치는 쇤베르크와 그의 추종자들의 예술이 "퇴폐적"이라고 선언하고 금지했습니다. (한 나치 비평가는 다음과 같이 썼습니다. "쇤베르크는 그들(유대인)이 침투한 국가의 문화적 기초를 파괴하고 그들 자신의 유대인 문화적 가치를 확립하는 것을 목표로 하는 오래되고 잘 알려진 유대인 전술을 사용합니다.")

    성경의 텍스트, 이야기, 이미지, 기타 전통적, 현대적 유대인 주제는 쇤베르크 작품의 필수적인 구성 요소였습니다. 하나님과 자신의 백성과의 관계라는 주제는 이미 초기 작품인 "시편 교향곡"(1912-14, 미완성)에서 들렸습니다. 쇤베르크는 오라토리오 "야곱의 사다리"(1917~22년, 미완성)에 관해 이렇게 썼습니다. “물질주의, 사회주의, 무정부 상태를 겪은 현대인은 ... 무신론에도 불구하고 여전히 자신 안에 옛 신앙의 부스러기를 어느 정도 간직하고 있습니다. 그는 신과 싸우고... 마침내 신을 발견하고 종교적이 됩니다. 기도하는 법을 배우세요!..” 쇤베르크는 음악뿐만 아니라 오라토리오의 가사도 작곡했습니다. 1930년 5월, 쇤베르크는 오페라 모세와 아론의 작업을 시작했으나 완성되지 못했습니다. 오페라의 대본은 작곡가가 직접 썼으며, "금송아지 주위의 춤" 장면의 안무도 직접 고안했습니다. 모세의 역할은 독자가 노래하는 방식으로 수행되고, 아론의 역할은 가수(테너)에게 할당됩니다. 따라서 모세는 합리적 원리(생각)와 비합리적 원리(생각)로서 그의 형을 대조합니다. 합창단과 오케스트라는 강렬한 드라마를 만드는 데 중요한 역할을 합니다(3중 구성에 무대 앙상블이 추가됨). 오페라 "모세와 아론"은 쇤베르크의 가장 중요한 창의적 업적 중 하나입니다.

    “기도하는 법을 배우세요!”에 대한 여러분의 부르심 Schoenberg는 독자, 합창단 및 오케스트라를 위해 "Kol Nidre"에서 이를 구현했습니다(1938; 이 작품은 Kol Nidre의 멜로디를 기반으로 하며 Ashkenazi / Ashkenazi / 커뮤니티 참조). 이 작업은 로스앤젤레스에서 처음으로 공연되었습니다.

    1941년 쇤베르크는 오스트리아에 남아 있던 형의 사망 소식을 접했고, 1942년에는 J. G. 바이런의 시를 엮어 악과 폭력, 무고한 사람의 살해를 폭로한 『나폴레옹에게 바친 송가』를 썼다. 사람들은 홀로코스트 및 제2차 세계대전 사건과의 명백한 연관성을 불러일으킵니다. 1814년에 작성된 바이런의 팜플렛은 이러한 해석에서 관련 반나치 작품으로 들립니다.

    작곡가가 직접 쓴 칸타타 "바르샤바의 생존자"(1947, 독자, 합창단 및 오케스트라를 위한)의 텍스트는 바르샤바(바르샤바 참조) 게토에서 살아남은 몇 안 되는 참가자 중 한 사람의 이야기를 재현합니다. 쉐마의 말씀이 작품의 구조에 짜여져 있습니다. 작업은 매우 간결합니다. 단 6분 30초밖에 걸리지 않습니다. 음악적 표현의 표현주의적 기술은 그에게 한계까지 날카롭게 만들어졌습니다. 유대인 주제에 대한 Schoenberg의 다른 작품으로는 "Modern Psalm"(미완성), "From the Depths"(1950, 합창단용 시편 130), 합창 "Three Thousand Years"(1950, 가사 D. Runes) 등이 있습니다.

    수년에 걸쳐(1926~51) 쇤베르크는 유대인들이 역사적인 고국으로 돌아가는 것과 부활한 유대 국가의 미래에 관한 드라마 "성서의 길"을 썼습니다. Schoenberg는 시온주의(시온주의 참조) 목표에 이질적이지 않았습니다. 1923년에 그는 이렇게 썼습니다. “나는 독일인도, 유럽인도 아니지만 유대인이라는 사실을 영원히 이해하고 기억해야 했습니다.” 그는 특히 V. Zhabotinsky의 개념과 그의 작품에 관심을 보였습니다. 시온주의 지향 기사 출판: "이스라엘인과 유대인"(1923), "시온주의에 관하여"(1924), "유대인 문제"(1933), "유대인에 대한 정책에 관한 노트"(1933), "유대인을 위한 프로그램"(1933) 네 문단"(1940년대 초) 및 기타. Schoenberg는 이스라엘 국가의 탄생을 환영하고 예루살렘에 훈련 센터 건립을 추진했으며 그의 계획에 따라 주요 유대인 음악가들이 협력하게 되었습니다.

    Schoenberg는 작곡가와 그의 학생 인 A. Berg와 A. Webern의 창의적인 협력으로 탄생 한 소위 New Viennese School의 창립자이자 수장입니다. 학교는 현대 음악 예술의 발전 경로를 결정했습니다. Schoenberg는 Berg와 Webern 외에 E. Welles(1885~1974), H. Eisler(1898~1962), R. Comyn(1896~1978) 등 20세기 가장 큰 음악 교사 중 한 명이었습니다. ), R. Serkin 및 기타. 20세기의 가장 위대한 작곡가들이 많이 있습니다. - B. Bartok, I. Stravinsky, S. Prokofiev, D. Shostakovich, P. Hindemith - Schoenberg의 음악과 가르침에 영향을 받았으며 12음 작곡 기법을 사용했습니다.

    Schoenberg의 이론 작품 중에는 "The Doctrine of Harmony"(1911), "A Manual for Beginner Composers"(1943), "Style and Idea"(1950), "Structural Functions of Harmony"(1954), "Fundamentals of Composition" 등이 있습니다. (1967) 및 기타. Schoenberg는 자신의 도서관과 원고를 예루살렘에 있는 유대인 국립 및 대학 도서관에 물려주었습니다. 쇤베르크가 사망하기 직전에 이스라엘 음악 아카데미는 그를 명예 회장으로 선출했습니다.